Audioguide für die Freer Gallery of Art,
fünf Stationen, kostenlos.

Als Erstes fällt dir der Schwung auf. Ihr Gewicht ruht auf einem Bein, die Hüfte drängt zur Seite, die Schultern lehnen sich zur anderen Seite zurück, und der Kopf findet dazwischen seine Mitte. Indische Bildhauer nannten diese Haltung Tribhanga, die dreifache Biegung, und ihr verdankt ein Meter Bronze, der vollkommen ruhig auf seinem Sockel steht, den Eindruck, er sei in Bewegung.

Auf dem Schild steht: Königin Sembiyan Mahadevi als Göttin Uma, und beide Hälften dieses Titels zählen. Die Pose gehört einer Göttin und erinnert an Parvati. Die Königin dagegen hat wirklich gelebt. Ihr Mann, Gandaraditya Chola, herrschte von 949 bis 957 im Süden Indiens, und sie wurde früh Witwe. Von da an trug sie Weiß, die Farbe der Trauer. Rund sechzig Jahre lang steckte sie ihr Vermögen in Tempel, ließ viele bauen und stattete noch mehr mit Stiftungen aus. Das Museum nennt sie eine hoch angesehene Förderin der Künste.

Noch zu ihren Lebzeiten wurde ihr Geburtstag in einem Shiva-Tempel gefeiert, in einer Stadt, die ihren Namen trug, und diesem Tempel wurde ihr zu Ehren ein Bildnis der Königin aus Metall geschenkt. Das Museum drückt sich hier vorsichtig aus: Es sagt nur, es sei möglich, dass genau diese Figur jenes Bildnis ist. Sicher ist dagegen, wozu eine solche Figur diente. Sie ist eine Prozessionsbronze. An Festtagen hüllte man sie in Seide, behängte sie mit Schmuck und Blumengirlanden und trug sie durch die Straßen, damit die ganze Stadt sie sah.

Sieh dir jetzt ihr Gesicht an, denn es ist das stärkste Argument für diese Geschichte. Sie hat geschürzte Lippen und eine lange Nase, und das Museum nennt die Form ihres Gesichts für ein Bildwerk dieser Art ungewöhnlich individuell. Dabei hätte im zehnten Jahrhundert niemand die Königin an der Ähnlichkeit erkannt. Eine solche Statue kannte man an ihrem Ort und an dem, was mit ihr geschah, hier an der Prozession zu ihrem Geburtstag. Ein so eigenes Gesicht an einer Figur, die niemand wiedererkennen musste: Genau solche Details halten die Porträtthese am Leben.

Die Freer kaufte die Figur 1929 aus dem Fonds, der den Namen ihres Gründers trägt, und seit der heutigen Einrichtung des Saals im Jahr 2017 steht sie hier. Bevor du weitergehst, lass den Blick zu ihren Beinen sinken. Der Stoff ist so dünn gearbeitet, dass er anliegt wie nasse Seide, und jede Falte folgt dem Schwung ihres Körpers, bis hinunter zu dem Sockel, auf dem ihre Füße seit tausend Jahren stehen.

Gleich nebenan, in Saal 16, steht vor dir eine lange Platte aus grauem Marmor, mehr als zwei Meter breit, und daneben zwei kürzere Stücke. Zusammen bilden sie den Unterbau eines Totenbetts: eine steinerne Plattform in der Form eines chinesischen Betts, auf die man im Norden Chinas im sechsten Jahrhundert in einem unterirdischen Grab einen Sarg legte.

Fang in der Mitte an. Das Räuchergefäß mit dem Vogel obendrauf, flankiert von himmlischen Wesen mit Heiligenschein, die auf Lotosblüten stehen, ist ein chinesisch-buddhistisches Bild durch und durch. Jetzt folge dem Band über den Öffnungen. Die acht Perlkreise dort rahmen Musiker und Tänzer in fremder Tracht, im persischen Stil gearbeitet. An beiden Enden zwingt ein Wächter in langem Mantel und Stiefeln ein wildes Tier zu Boden.

Der Mann, der auf diesem Bett lag, war ein Sogdier. Die Sogdier stammten aus Zentralasien, und im sechsten Jahrhundert beschreiben chinesische Quellen ihre Gemeinden quer über ganz China verstreut, Kaufleute und Beamte darunter. Fern der Heimat übernahmen sie chinesische Bräuche, und ein Steinbett wie dieses war einer davon. Die Reliefs an den übrigen Teilen des Betts mischten aber buddhistische Bilder mit mazdaistischen, aus dem Glauben, dessen Priester ein heiliges Feuer hüten, und mit Szenen aus dem Leben eines Einwanderers, der offenbar an der Spitze seiner Gemeinde stand. Sein Name ging mit seiner Grabinschrift verloren.

Und das meiste von diesem Bett ist gar nicht in diesem Saal. Das Grab wurde 1911 entdeckt, die Teile gelangten in den Kunsthandel und wurden in alle Richtungen verkauft. Die beiden Torwände, auf denen Priester mit verhülltem Mund das Feuer hüten, sind in Köln. Zwei Rückwandplatten gingen 1912 an das Museum of Fine Arts in Boston, eine Seitenplatte 1913 an das Musée Guimet in Paris, und wo eine weitere Seitenplatte geblieben ist, weiß bis heute niemand. Dass all diese Stücke zusammengehören, erkannte erst 1958 die Forscherin Gustina Scaglia.

Sogar die Herkunft ist umstritten. Die Sogdier-Forschung der Smithsonian nennt als angeblichen Fundort Anyang, nahe Ye, der Hauptstadt der Nördlichen Qi. Der Objekteintrag des Museums dagegen erwähnt die These, das Bett sei für Höhle 4 der nördlichen Höhlentempel von Xiangtangshan geschaffen worden, und räumt zugleich ein, dass eine buddhistische Höhle ein ungewöhnlicher Ort für ein Begräbnis war.

Bevor du gehst, such auf einer der Seitenwangen die Laute. Ihr abgeknickter Hals kam mit Musikern über die Seidenstraße nach China, und das Instrument, das daraus hervorging, die Pipa, spielt man in chinesischen Kammerensembles bis heute. Diese drei Marmorstücke waren schon ausgestellt, als die Freer im Mai 1923 zum ersten Mal ihre Türen öffnete.

Dreh dem Kamin jetzt den Rücken zu. Du stehst mitten im Werk: ein ganzes Speisezimmer, Wände, Regale, Decke und Fensterläden, 1876 und 1877 in Blau und Gold bemalt und Stück für Stück aus London hierhergebracht, mit einem Umweg über Detroit. Es ist die einzige Station auf diesem Rundgang, in der du herumgehen kannst.

Angefangen hat alles als Entwurf eines anderen. Der Architekt Thomas Jeckyll baute dieses Gitterwerk aus Regalen für Frederick Leylands Sammlung von chinesischem Blau-Weiß-Porzellan aus der Kangxi-Zeit und bespannte die Wände mit altem vergoldetem Leder, bemalt mit roten Rosen. Dann erkrankte Jeckyll und musste den Auftrag aufgeben. Whistler, der gerade Leylands Eingangshalle ausmalte, bot an, die Arbeit zu Ende zu bringen. Sein erster Vorschlag war bescheiden: die roten Rosen gelb übermalen, damit sie nicht mehr mit der Prinzessin konkurrierten, und dazu ein Wellenmuster am Gesims und an der Vertäfelung. Leyland war einverstanden und fuhr nach Hause, nach Liverpool.

Whistler machte einfach weiter. Er überzog die Decke mit Schlagmetall, einem Ersatz für Blattgold, und mit einem Muster aus Pfauenfedern. Er vergoldete jedes einzelne Regal. Sieh zur Fensterwand hinüber: Auch die Pfauen innen auf den Fensterläden sind von ihm. Später erzählte er, er habe einfach drauflosgemalt, ohne Entwurf und ohne Skizze, das Ganze sei beim Malen gewachsen, und als er wieder an der Ecke ankam, an der er begonnen hatte, habe er einen Teil davon noch einmal übermalen müssen, damit er zum Rest passte.

Dann kam der Bruch. Whistler lud Besucher und die Presse in Leylands Haus ein, um den Raum zu bewundern, und über die Rechnung zerstritten sich die beiden Männer bitter. Also überstrich Whistler das kostbare alte Leder mit Preußischblau, und auf die leere Wand gegenüber dem Kamin malte er, was du dort jetzt siehst: zwei Pfauen, die aufeinander losgehen. Der wütende Vogel hat silberne Federn an der Kehle, ein Seitenhieb auf die gerüschten weißen Hemden, die Leyland immer trug. Der andere hat eine einzelne silberne Schopffeder, wie die weiße Locke, die sich über Whistlers eigener Stirn erhob. Er nannte das Wandbild Kunst und Geld, oder: Die Geschichte des Zimmers, und er soll Leyland gesagt haben, man werde sich an ihn nur als den Besitzer des Pfauenzimmers erinnern. Dann signierte er den Raum mehrmals mit seinem Schmetterling.

Leyland ließ alles, wie es war, bis zu seinem Tod 1892. Zwölf Jahre später kaufte Charles Lang Freer den Raum, ließ ihn 1904 abbauen und in seinem Haus in Detroit wieder aufbauen, wo darin seine eigene Keramik stand. Nach seinem Tod kam er nach Washington, und hier ist er, seit die Freer Gallery 1923 eröffnet wurde. Im Sommer 2022 wurde der Raum erneut restauriert.

Was auf den Regalen steht, ist das jüngste Kapitel. Seit September 2025 zeigt das Museum den Raum so, wie die Leylands ihn kannten: voller Blau und Weiß. Leyland sammelte Porzellan aus Jingdezhen, das seit dem späten dreizehnten Jahrhundert das Weltzentrum für blau-weiße Ware war. An der Kaminwand und an der Fensterwand siehst du Stücke aus der Kangxi-Zeit aus der eigenen Sammlung des Museums. An den beiden anderen Wänden sind die Gefäße Nachbildungen, heute gefertigt mit Töpfern in Jingdezhen.

Stell dich also in die Mitte und nimm alles auf einmal in dich auf: zwei Wände mit altem Porzellan und zwei mit neuem, auf der einen Seite ein Streit in Gold, und auf der anderen die Prinzessin, mit der alles anfing.